Philippe Richard blog

New pictures of "Two, Philippe Richard and Lisa Beck" at Theodore Art, New York, until April 3rd

2011-03-28T09:59:00.000-07:00

Premières images de l'exposition Lisa Beck and Philippe Richard" à Theodore Art, New York

2011-03-05T13:34:00.000-08:00

Exposition du 5 mars 2011 au 3 avril 2011

exposition 777 (4) au château de Kerpaul, du 23 mai au 6 juin 2010

2010-06-06T08:30:00.001-07:00

exposition 777 (4) au château de Kerpaul (suite)

2010-06-06T08:24:00.000-07:00

avec les œuvres de Julien Grenier, Véronique Joumard, Anita Molinero, Miquel Mont, Philippe Richard, Morgane Tschiember, Heidi Wood, Philippe Zunino + Betty Bui, Christophe Cuzin, Sylvie Fanchon, Patrick Ferrasse, Nicolas Guiet, Carole Manaranche, David Renaud et Sylvie Ruault. Commissaires : Christophe Cuzin et Sylvie Ruault.

exposition 777 (4) au château de Kerpaul (suite)

2010-06-06T08:22:00.000-07:00

2010-06-06T08:20:00.000-07:00

exposition 777 (4) au château de Kerpaul (suite)

2010-06-06T08:18:00.001-07:00

exposition 777 (4) au château de Kerpaul (suite)

2010-06-06T08:14:00.001-07:00

Exposition 777 (4) au chateau de Kerpaul

2010-06-06T08:10:00.000-07:00

Exposition "L'arabesque", Bleuacier.inc, Tampa, Floride

2010-06-06T08:05:00.001-07:00

Avec Neil Bender, Elisabeth Condon, Hervé DiRosa, Dominique Labauvie, Fréderique Lucien, Pierre Mabille, Philippe Richard, Peter Soriano, Michelle Weinberg, Voshardt/Humphrey, exposition du 12 février au 27 mars 2010.

Vues de l'exposition "Réminiscences héraldiques", à La Belle Epoque Art Contemporain, Villeneuve d'Ascq

2009-12-09T05:56:00.000-08:00

avec François Bouillon et Benoît Carpentier, exposition du 5 décembre 2009 au 16 janvier 2010

36 vues de l'exposition "Matisse hoje", à la pinacothèque de Sao Paulo, au Brésil, à partir du 4 septembre au 1er novembre 2009

2009-09-11T07:17:00.000-07:00

Exposition de Henri Matisse en dialogue avec les oeuvres de Cécile bart, Christophe Cuzin, Frédérique Lucien, Pierre Mabille et Philippe Richard, commissaire : Emilie Ovaere

vues de l'exposition "Matisse Hoje", avec C. Bart, C. Cuzin, F. Lucien, P. Mabille et P. Richard (installation Cuzin)

2009-09-11T07:13:00.001-07:00

vues de l'exposition "Matisse Hoje", avec C. Bart, C. Cuzin, F. Lucien, P. Mabille et P. Richard (salle Matisse/Lucien)

2009-09-11T07:10:00.001-07:00

vues de l'exposition "Matisse Hoje", avec C. Bart, C. Cuzin, F. Lucien, P. Mabille et P. Richard (salle Matisse/Richard)

2009-09-11T07:07:00.001-07:00

vues de l'exposition "Matisse Hoje", avec C. Bart, C. Cuzin, F. Lucien, P. Mabille et P. Richard (salle Matisse/Richard)

2009-09-11T07:03:00.000-07:00

vues de l'exposition "Matisse Hoje", avec C. Bart, C. Cuzin, F. Lucien, P. Mabille et P. Richard (salle Matisse/Mabille)

2009-09-11T07:00:00.001-07:00

vues de l'exposition "Matisse Hoje", avec C. Bart, C. Cuzin, F. Lucien, P. Mabille et P. Richard (salle Matisse/Bart)

2009-09-11T06:51:00.000-07:00

vues de l'exposition "Matisse Hoje" à la pinecothèque de Sao Paulo, avec C. Bart, C. Cuzin, F. Lucien, P. Mabille et P. Richard (salle commune)

2009-09-11T06:40:00.000-07:00

texte de présentation du travail de Philippe Richard pour le catalogue "Matisse aujourd'hui", à la pinacothèque de Sao Paulo

2009-06-05T05:39:00.000-07:00

Philippe Richard, à la troisième personne

La peinture peut être un moyen de définir un espace, une surface, un territoire. Depuis plusieurs années, le travail de Philippe Richard se développe autour d’une réflexion plastique quittant le tableau proprement dit fait de débordements, d’éléments proliférant dans l’espace d’exposition et sur les murs de cet espace. L’espace d’exposition n’est plus seulement un écrin recevant les œuvres, il participe activement à l’œuvre en train de se faire, il en devient le fond, le support actif.

Philippe Richard est peintre. Il se dit peintre. Il est vrai qu’il peint des tableaux, des tableaux de toutes les tailles, des grands et des petits. Il peint aussi d’autres choses, sur d’autres matériaux. Il invente des formes, des structures lourdes ou légères, solides ou mobiles, sur lesquelles il peint. C’est pour cela qu’il se dit peintre.

Avant, il ne peignait que sur des tableaux, et puis il a peint sur des bois flottés trouvés en Islande. Depuis, il peint sur n’importe quoi, mais plutôt sur du bois. Ses dernières œuvres sont constituées de nombreux tasseaux de bois peint assemblés entre eux, constituant une structure, des structures organisées proliférantes, ou des disques de bois peints réunis en groupes sur le mur. C’est parce qu’il peint sur de nombreux supports que Philippe Richard se dit peintre. Même quand son travail envahit les murs, remplit les volumes, envahit l’espace public, Philippe Richard maintient le fait qu’il est peintre et rien d’autre.

Si l’on regarde ce qu’il peint, Philippe Richard ne peint que des éléments simples, à base d’aplats, de lignes et de points. Certaines fois, les éléments picturaux sont entièrement représentés sur la surface peinte. Les formes se trouvent alors contraintes par l’espace pictural proposé. D’autres fois, au contraire, les éléments s’échappent de la surface peinte, créent alors un hors champ riche de possibles, d’inventions potentielles débordant de la toile pour se développer éventuellement sur les murs, le plafond ou le sol ; des éléments hétérogènes colonisant le monde réel. Eric Suchère écrit qu’il s’agit de peinture polymorphe.

Philippe Richard dit qu’il a toujours voulu être artiste, ou alors jardinier ou alors voleur. Il aime regarder les choses pousser : les plantes, les personnes, les idées. Il est aussi un peu voyou, pas toujours comme il faut. Il dit aussi que les sciences et leurs iconographies ont toujours été pour lui une source d’inspiration. Il faut bien peindre quelque chose. Mais les cellules qu’il peint, les schémas qu’il invente sont plus que des motifs picturaux. Ils représentent des éléments d’une organisation possible, d’un organisme en train de naître. Ils parlent du pouvoir évocateur des images.

Philippe Richard dit qu’il n’en est qu’au commencement, que tout reste à faire, que le temps passe trop vite. Quand il ne va pas bien ou quand il est en forme, il va dans les musées voir de la peinture ancienne. Il dit que les tableaux sont une belle idée. Il trouve que l’invention de l’image fixe est une invention formidable, inégalée, qu’elle permet de prendre la mesure du flux incessant de la pensée qui, lui, ne s’arrête jamais.

Il utilise aussi des motifs décoratifs. Ces motifs se retrouvent dans de multiples civilisations, de lieux ou d’époques très différents. Il appartiennent à tout le monde. Il aime les choses de peu de valeur, comme la chanson de variété, les petits actes de la vie quotidienne, les détails sans importance. Cet aspect est très important. Il croit que c’est dans les toutes petites choses que se trouve l’essentiel. Il aime que les gens simples voient autant de choses dans ses peintures que les personnes dites érudites. Ce n’est qu’une question de perception et de registre. Il aime jouer sur tous les tableaux. Il faut avancer prudemment mais dans toutes les directions à la fois.

Philippe Richard

20 vues de l'exposition "Global painting" à Amilly, du 16 mai au 20 septembre 2009

2009-06-01T08:27:00.001-07:00

avec Soizic Stokvis, Bernard Cousinier, Christophe Cuzin et philippe Richard, commissariat : Bernard Jordan

20 vues de l'exposition "Global painting" à Amilly, du 16 mai au 20 septembre 2009

2009-06-01T08:26:00.001-07:00

avec Soizic Stokvis, Bernard Cousinier, Christophe Cuzin et philippe Richard, commissariat : Bernard Jordan

20 vues de l'exposition "Global painting" à Amilly, du 16 mai au 20 septembre 2009

2009-06-01T08:23:00.000-07:00

avec Soizic Stokvis, Bernard Cousinier, Christophe Cuzin et philippe Richard, commissariat : Bernard Jordan

20 vues de l'exposition "Global painting" à Amilly, du 16 mai au 20 septembre 2009

2009-06-01T08:17:00.000-07:00

avec Soizic Stokvis, Bernard Cousinier, Christophe Cuzin et Philippe Richard, commissariat : Bernard Jordan

suite de l'entretien Philippe Richard/Emilie Ovaere à paraître dans le catalogue del'exposition "Matisse aujourd'hui" à la Pinacothèque de Sao Paulo

2009-06-01T04:02:00.000-07:00

Entretien Emilie Ovaere/ Philippe Richard, exposition "Matisse Aujourd'hui", à la Pinacothèque de Sao Paulo, Brésil, du 5 septembre au 1er novembre 2009

Emilie Ovaere : Vous exposez actuellement dans les collections du musée Matisse, au Cateau-Cambrésis. Nous avions réalisé un entretien avant cette exposition, publié dans le petit journal. Est-ce que votre perception de l’œuvre d’Henri Matisse a changé du fait de cette expérience ?

Philippe Richard : Comme vous le savez, ce projet n’est pas lié uniquement aux œuvres de Matisse, mais aux œuvres des collections qui comprennent des œuvres de Henri Matisse, mais aussi d’Auguste Herbin, Picasso, Miro, Léger, Rouault et Giacometti. Ce projet dialogue aussi avec l’architecture du bâtiment. Ce qui a changé, c’est le contact quotidien avec les œuvres que possède le musée. Je crois énormément au rapport direct du spectateur avec l’œuvre. J’ai profité de mon séjour au musée pour regarder attentivement les tableaux qu’il possède.

EO : Vous possédez vous-même des œuvres que l’on voit quand on vous rend visite.

PR : Oui, ce sont, pour la plupart, des échanges avec d’autres artistes. Dans ma vie, j’ai eu la chance de vivre parfois dans des maisons dans lesquelles se trouvaient des œuvres importantes d’artistes importants. C’est quelque chose de voir une œuvre, c’est totalement autre chose de vivre avec la même œuvre. J’envie les collectionneurs, même si je ne me sens pas moi-même très collectionneur. J’ai dû acheter 5 oeuvres en tout et pour tout. Le reste, ce sont des échanges, ou des cadeaux. Mais cela n’a pas beaucoup d’importance. Ce qui l’est plus, c’est de vivre avec elles, de les voir changer avec les changements de lumière, de les faire côtoyer avec d’autres œuvres. Cela me fait penser à l’exposition « Lesage / Trenkwalder » à la Maison rouge, à Paris. Si Antoine de Galbert n’avait pas installé les œuvres de ces deux artistes dans son appartement, je ne suis pas sûr qu’un commissaire aurait eu l’idée de faire une telle exposition, excellente, par ailleurs. Dans le même esprit, je rêve de voir une exposition « Riopelle / Richter ». C’est utopique mais je pense que les commissaires d’exposition devraient avoir la possibilité de vivre avec les œuvres qu’ils envisagent d’exposer. Les expositions ne seraient peut-être pas les mêmes

EO : Il y a quelques questions que j’aimerais approfondir avec vous, notamment celle de la possession totale de l’espace dans votre travail.

PR : L’espace réel est un lieu de jeu des possibles. Je pense souvent à la chance que nous avons d’être capable de marcher, de nous déplacer. La perception de l’espace, des distances, de l’effort à fournir pour se déplacer, m’aide à appréhender l’espace réel. Je pourrais aussi ajouter que depuis toujours, j’ai des problèmes de latérisation, ce qui veut dire que mon corps n’est pas très bien coordonné. Cela m’ennuyait quand j’étais plus jeune. J’ai depuis compris l’importance de cultiver sa singularité. Ces problèmes m’ont ouvert sur les autres en même temps qu’ils m’ont obligé à être toujours très concentré sur le monde extérieur. Par exemple, je ne maîtrise pas bien les distances entre les choses. Si je suis fatigué ou que j’ai un peu bu, je renverse ou je casse les objets. Cela a développé en moi une très grande conscience du monde extérieur, de l’espace, de ses possibilités. Je suis sûr que cela me sert quotidiennement dans mon travail d’artiste.

EO : Mais alors, votre compréhension de l’espace est née de vos difficultés à vous situer dans l’espace ?

PR : Oui, dans un sens. Mon sens de l’espace, l’envie de travailler cette question dans un travail pictural provient de ma « non-intelligence » spatiale. Je crois beaucoup à la non-intelligence dans les réalisations artistiques. Ce n’est pas très populaire en France, où règnent la logique et l’intelligence. Ce qui s’applique à d’autres domaines, comme les sciences, la philosophie ou la politique ne fonctionne plus quand on se place dans le champ de l’art. Vouloir utiliser les mêmes cadres formels pour des domaines aussi différents revient à rendre stérile toute invention artistique.

EO : Est-ce que vous vous revendiquez de l’idiotie, terme beaucoup utilisé aujourd’hui ?

PR : Non pas vraiment. Mais c’est une notion très intéressante pour l’art d’aujourd’hui, une piste prometteuse. Malheureusement, l’ambiance actuelle n’est pas très propice à ce genre de recherches. J’ai la sensation que chaque jour dévoile un monde plus réactionnaire que celui de la veille.

EO : Dans un autre entretien, vous comparez le développement des œuvres dans l’espace à celui des espaces virtuels de la toile. Vous dites que l’idée d’une prise de possession totale d’un espace est une illusion. Pourtant, vos œuvres, vos peintures sont bien réelles. Qu’en pensez-vous ?

PR : C’est une bonne question. J’aimerais bien créer des œuvres sans objet, sans poids, faites de couleur pure mais en même temps, je suis très attaché à la matière, au contact avec les choses. J’aime qu’on puisse sentir son corps contraint, oppressé par la présence d’une œuvre. Ce que je veux dire, c’est que la présence physique d’une œuvre peut à elle seule provoquer une réaction physique du spectateur, l’obligeant à se déplacer, à se baisser, à utiliser son corps.

EO : Revenons à votre relation à Matisse. Il y a un autre chose qui vous rassemble, c’est le traitement que vous réservez aux chutes, aux déchets. Je pense notamment aux disques qui sont issus de vos dernières sculptures et que vous avez souhaité exposer à Sao Paolo.

PR : En effet, j’aime beaucoup réutiliser les chutes ou les déchets issus de mes pièces/projets. Cela doit venir de mon enfance à la campagne, où les habitants conservaient la moindre chose, dans l’espoir de s’en resservir un jour. J’utilise cette idée comme un système. Tout dans l’atelier est systématiquement recyclé. Parfois, la couleur d’une peinture se retrouve sur une autre, afin de ne pas la perdre. Rien ne se crée, rien ne se perd, tout se transforme!

EO : Une dernière chose : Qu’attendez-vous de cette nouvelle confrontation aux œuvres d’Henri Matisse ?

PR : J’aimerais bien participer à une compréhension un peu différente des tableaux de Matisse. En confrontant des œuvres d’époques différentes, on créé une tension nouvelle. Cela peut donner lieu à un dialogue à la fois fructueux et innovant. Ce n’est jamais inintéressant, dans tous les cas.

exhibition "Global painting" at the tanneries, Amilly, curated by Bernard Jordan, opening on May 16, 2009

2009-05-12T04:20:00.000-07:00

images de l'exposition "Souvent d'ailleurs parfois" à la galerie Bernard Jordan, à Paris, jusqu'au 30 mai 2009

2009-05-12T04:13:00.000-07:00

"Sculpteurs de trottoirs", Le Quartier, Quimper, jusqu'au 14 juin 2009

2009-04-13T11:53:00.000-07:00

Pour plus d'informations, tapez: http://www.le-quartier.net

vues de l'exposition "Sculpteurs de trottoir", Le Quartier, Quimper, jusqu'au 14 juin 2009

2009-04-13T10:54:00.001-07:00

Avec Raymond Hains, Cécile Paris, Philippe Richard, Franck Scurti, Olivier Soulerin, Morgane Tschiember. Commissaire : Marion Daniel.

Vues de l'exposition "Sculpteurs de trottoir", Le Quartier, Quimper, jusqu'au 14 juin 2009

2009-04-13T10:36:00.000-07:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:25:00.003-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:24:00.001-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:22:00.001-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:21:00.001-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:20:00.001-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:18:00.001-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:16:00.001-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:15:00.003-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:13:00.001-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:11:00.003-08:00

55 vues de l'exposition de Philippe Richard "Rien à voir avec Henri Matisse" au musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis, du 14 mars au 27 septembre 2009

2009-03-01T10:05:00.000-08:00

"Les beaux restes" (2005), Acrylique sur bois et carton, 375 X 375 cm.

2009-02-12T05:16:00.000-08:00

« Les beaux restes » est une pièce réalisée à l’origine pour une exposition à la galerie Duchamp, à Yvetot, en 2006. Le titre de l’exposition, « Yvetot, donc, vaut Constantinople », faisait référence à une phrase que Gustave Flaubert avait écrit à Louise Collet pendant qu’il entreprenait la rédaction de « Madame Bovary ».

Les beaux restes sont constitués de 9 cellules fermées et de 16 autres tronquées. Les parois de chacune sont peintes d’une couleur uniforme différentes des autres cellules. Dans chaque cellule se trouve une colonne peinte de la couleur des parois elle aussi de taille différente.

Les beaux restes font allusions aux ruines, aux lieux « ayant été », espaces étranges, étrangers, où le dedans et le dehors ne sont plus vraiment définis. Les ruines sont ce qui reste d’un espace disparu. Au fil du temps, elles deviennent un lieu distinct. Elles naissent de la perte, elles sont la perte. (Cela me fait penser aux affiches lacérées de Raymond Hains.). Les ruines sont ce qui subsiste de la violence des hommes. Elles sont ce que les hommes ont délaissé, ce qui ne peut plus être réutilisé, ce qui ne sert plus à rien. Elles sont inutiles. On peut toutefois leur trouver un certain charme.

Préparation de l'installation "Les beaux restes" en vue de l'exposition "Sculpteurs de trottoir" au Quartier à Quimper, vernissage le 27 mars 2009

2009-02-12T04:29:00.000-08:00

Entretien avec Philippe Richard, à paraître dans le petit journal, musée Matisse, Le Cateau-Cambresis

2009-01-29T11:23:00.000-08:00

EO Les artistes invités au musée entretiennent tous une relation directe ou indirecte avec Matisse. Comment vous positionnez- vous par rapport à cette histoire ?

PR Matisse est un immense artiste. Je ressens comme une vraie chance de pouvoir imaginer dialoguer avec les espaces et les œuvres du musée. La première image qui me vient de matisse, c’est la tableau « Luxe, calme et volupté », qui se trouve au musée d’Orsay. Je me souviens de l’endroit où je l’ai vu accroché. Je ne sais pas si il est toujours dans cette salle. Les autres tableaux qui étaient à côté avaient l’air d’avoir 100 ans de plus que lui. Pourtant, tous étaient de la même année ou quasiment.

EO De quelle œuvre ou quelle période vous sentez – vous le plus proche chez Matisse ?

PR Il y a beaucoup d’œuvres que j’aime énormément. Je crois toutefois qu’une de mes préférées est « les baigneurs à la tortue » qui se trouve au musée de Saint-Louis dans le Missouri. J’ai pu le voir à plusieurs occasions dans des expositions et aussi à Saint-Louis. A chaque fois que je revois ce tableau, c’est le même choc et le même plaisir.

EO Croyez-vous à l’autonomie de l’œuvre ou êtes-vous plus sensible à la manière dont les œuvres sont accrochées ?

PR Je connais bien sûr les accrochages historiques des expositions de Matisse où les tableaux occupent l’espace de mur du sol au plafond, le mur étant en fait une tenture de couleur probablement rouge. Je connais aussi des collections telle la fondation Barnes où l’accrochage des œuvres n’a pas changé depuis la mort de leur propriétaire. Aujourd’hui, il est difficile d’envisager d’isoler une œuvre de l’espace qui l’a reçoit. Matisse était sensible à l’espace réel. Il suffit de penser aux décors réalisés pour Barnes pour en être convaincu.

EO Le pouvoir expansif de la couleur est très présent dans vos installations récentes. Comment résonne en vous cette affirmation de Matisse : Notre civilisation, même pour ceux qui n’ont jamais fait d’avion, a amené une nouvelle compréhension du ciel, de l’étendue, de l’espace. On en vient aujourd’hui à exiger une possession totale de l’espace ?

PR C’était une bonne idée comparable dans une certaine mesure au développement récent des espaces virtuels de la toile. Là aussi il y a l’illusion d’une prise de possession totale d’un espace.

EO Comment pourriez-vous expliquer le titre de votre exposition « Rien à voir avec Matisse ?

PR-Il y a plusieurs raisons au choix de ce titre. Tout d’abord j’aime le double sens de l’expression « rien à voir » qui peut signifier qu’il n’y a rien à voir ou que l’exposition n’a aucune relation avec Henri Matisse. Mon travail s’intègre dans les trous de la collection, les recoins, les endroits délaissés. Ce projet se situe entre la prolifération d’une épidémie et l’installation d’un squatter solitaire. J’ai bien aimé que nous soyons obligé, pour des raisons pratiques, d’installer certaines œuvres les mardi de janvier et février. C’était comme si chaque semaine voyait éclore une nouvelle prolifération, un nouveau symptôme. Et puis, il y a le film que Valérie Kempeneers vient de terminer et qui s’intitule « Rien à voir avec Philippe Richard », une sorte de parenthèse poétique autour de la préparation d’une de mes expositions. J’avais envie de poursuivre ce jeu.

EO Matisse a utilisé les qualités d’un médium pour les appliquer à d’autres : le dessin dans la peinture, la sculpture dans la peinture : « Dessiner avec des ciseaux. Découper à vif dans la couleur me rappelle la taille directe des sculpteurs ». Est-ce que vos installations récentes sont en lien avec la volonté de synthétiser le dessin, la couleur et le volume ?

PR Absolument. Les travaux que je nomme les « linéaires » sont effectivement une tentative de dessiner dans l’espace réel ou plutôt de matérialiser un dessin dans un espace en trois dimensions. C’était l’idée fondatrice, le point de départ. Maintenant, les linéaires sont eux-mêmes fragmentés en plusieurs séries distinctes.

EO Je pense que comme Claude Viallat, votre lien à Matisse n’est pas seulement dans la couleur, mais aussi dans votre liberté face au matériau. En tant que peintre, vous n’êtes plus seulement dans la toile, vous introduisez une dimension spatiale très importante. Pouvez-vous expliquer cette filiation ?

PR Je ne crois pas qu’il y ait une filiation de ce type. Ce que j’aime chez Matisse, c’est l’apparente facilité. C’est une chose que je m’efforce de trouver. J’aime bien que mon travail ait l’air désinvolte. J’essaie de développer un travail qui libère, autorise, donne envie. Un autre aspect important de mon travail, est l’idée d’intéresser avec quelque chose apparemment sans intérêt. Imaginons un visiteur du musée qui flâne, il remarque une de mes œuvres. Elle lui semble séduisante. Il a envie de s’approcher. Il s’approche. La picturalité de l’œuvre, son aspect « mal fait », sale, le repousse. Il s’éloigne un peu, l’œuvre à nouveau est attirante. Le spectateur est ainsi pris dans un piège d’attraction-répulsion. Cela pose aussi la question de l’instant de grâce, le moment de la découverte.

EO Votre œuvre (peinture, dessins, installations) n’est pas contemplative. Elle est excessive, jubilatoire, ludique. Je suis tentée de les rapprocher de certaines œuvres de Matisse un peu décriées, les odalisques notamment. Revendiquez-vous cet aspect de votre œuvre ?

PR Oui. Excessive, jubilatoire, ludique et même plus encore.

EO Votre exposition a lieu en même temps que l’exposition « Ils ont regardé Matisse » sur l’abstraction américaine et française après guerre. Quel est votre lien avec la peinture de Rothko, Newman, Pollock ? vous a – t – elle « aidé » à regarder Matisse ?

PR J’ai beaucoup regardé la peinture américaine. Barnett Newman est un très grand peintre, de même que Philip Guston ou Clifford Still. Je suis très intéressé par le fait que ce sont surtout les peintres abstraits qui ont regardé Matisse et qui l’ont compris.

EO Il y a une chose qui vous différencie très fort de Matisse, c’est l’humour. On a l’impression que peindre et créer est un jeu. Est-ce seulement une apparence ?

Même s’il est parfois très difficile de créer, qu’un tableau peut souvent poser des problèmes complexes, créer et peindre sont deux choses très exaltantes.

EO Comme Matisse, vous observez beaucoup la nature. vous en extrayez des notions telles que la prolifération, l’envahissement, le mouvement. Etes vous toujours dans la sensation et dans l’émotion ?

PR Non. Je me méfie beaucoup de l’émotion. Mais j’écoute beaucoup mes sensations. Elles me renseignent sur le monde extérieur. Je me fie à elles quand je rencontre une nouvelle personne. Les sensations sont ce à quoi nous réagissons. Elles dominent nos peurs, nos angoisses, nos joies, nos plaisirs, en fait toutes les émotions dont je me méfie tant.

Entretien avec Philippe Richard réalisé le 28 janvier 2009 par Emilie Ovaere

premières images de l'accrochage au musée Matisse, 28 janvier 2009

2009-01-29T11:21:00.001-08:00

entretien pour "+ de réalités, à paraître au printemps 2009

2009-01-23T17:08:00.000-08:00

Entretien avec Philippe Richard

PM : Dans tes peintures il n’y a pas de géométrie mais un ordre plus complexe, comment tout cela s’articule –t-il ?

PR : Les questions qui me préoccupent sont liées à la question du motif, de ce que l’on appelle « le décoratif » et aussi au rapport qu’une œuvre entretient avec l’espace qui la reçoit. En ce qui concerne les motifs, je suis très intéressé par la diffusion de ceux-ci dans les cultures les plus variées et les plus éloignées, des plus anciennes aux tribales. Je m’intéresse à leur réapparition, leur signification. Dans mon travail, je combine des motifs très simples, élémentaires. Ceux-ci viennent occuper l’espace pictural, comme les œuvres occupent l’espace réel. Ces motifs interviennent de manière quasi organique, comme une épidémie qui se répand ou comme une plante qui se développe, « naturellement ».
C’est ainsi qu’un vocabulaire décoratif au départ inoffensif se change en une valse nourrie de sinuosités venimeuses, rondeurs capiteuses, (…) monstruosités d’autant plus dangereuses qu’elles ont pris les traits de l’élégance… comme l’a écrit Pierre Giquel.

La pièce de Nantes était assez particulière en ce sens : elle montrait un désordre, structuré souterrainement par un principe chromatique, comme une construction chaotique.

Oui, mais moi, je ne vois pas le chaos. Je vois le débordement. La construction de cette pièce créée pour l’exposition « + de réalité » répond à un cahier des charges assez strict, comme la plupart de mes travaux. Effectivement, il y a toujours un système souterrain qui régit la construction ou le développement dans l’espace bi- ou tridimensionnel à investir. Ce ne sont pas des contraintes, plutôt la mise en place d’un système permettant à l’œuvre d’être viable, comme pour un être vivant. Il y a une grande part de hasard et d’absurde dans tout ça. Comme a dit Démocrite, il y a une grande part de hasard et une autre de nécessité.

Souvent tes motifs partent à la conquête de l’espace, avec une préférence pour les parcours curvilignes, les progressions labyrinthiques provoquant des encombrements, des friches…Peux-tu dire un mot sur ces développements dans l’espace ?

Depuis plusieurs années, mon travail s’est développé autour d’une réflexion plastique faite de débordement, d’éléments proliférants dans l’espace d’exposition et sur ses murs. Le point de départ, la cause, de certaines propositions peut être ce que je nomme une « matrice », soit un tableau de petit format générant un développement de motifs directement sur les murs. Cette intervention directe, plus spontanée, peut être comparée aux ornements de la musique baroque ou aux improvisations des musiciens de jazz. Devant nous, sur le même mur, il y a deux temps : le temps de la fabrication du tableau, dans l’intimité de l’atelier et le temps du débordement dans l’espace public, à chaque fois différent, moins dense mais généralement plus ample. L’espace d’exposition n’est plus seulement un écrin recevant les œuvres, il participe activement à l’œuvre en train de se faire, il en devient le fond, le support actif.

Tu as plusieurs expériences d’organisations d’expositions en école d’art (« À fleur de peau », « Mauvais genres », « Objectif lune » à l’Ecole d’art de Rouen). Si on te nommait septième artiste-commissaire de « + de réalité », quelles seraient tes propositions ?

J’aime beaucoup organiser et imaginer des projets d’exposition. J’ai la chance d’enseigner à Rouen où les professeurs ont la possibilité de proposer des projets d’expositions. A chaque fois, c’est un nouveau questionnement, un challenge vis-à-vis des possibles confrontations ou connivences entre des artistes auxquels on ne pense pas à priori. A ce sujet, il me semble qu’on ne permet pas assez aux artistes de monter des commissariats d’exposition importants. Contrairement aux scénographes ou aux metteurs en scène à qui l’on offre la direction artistique de lieux prestigieux, les artistes sont confinés à la marge, alors que leur pensée visuelle et critique est largement aussi intéressante que celle des critiques professionnels. J’aime beaucoup parler de projets d’exposition avec mon ami Peter Soriano. Il y a exposition que nous aimerions bien voir exister, par exemple, je pense à un duo Richter/Riopelle ou d’une expo Gasiorowski/Morley/Richter. En ce qui concerne les artistes que j’aurais choisi pour « + de réalité », outre ceux déja exposés, je crois que j’aurais aimé voir : Diana Cooper, Jo Ber, Dominique De Beir, Edouard Prulhière, Nicolas Guiet, Jonathan Lasker , Al Martin, Mary Heilman et certainement Sol Lewitt, tout cela dans le désordre…

« + de réalité » voulait définir à partir de certaines pratiques, une attitude par rapport à la réalité. Comment conçois-tu cette relation ?

La réalité, c’est ce qui nous reste quand tout le reste a disparu, un peu comme dans le naufrage du Titanic. De toute façon, le pire est toujours certain.

images de l'atelier, le 21 janvier 2009

2009-01-23T17:06:00.001-08:00

pour mémoire : entretien réalisé au moment de l'exposition à Yvetot (2007)

2009-01-23T16:41:00.000-08:00

Questions à Philippe RICHARD, peintre et sculpteur…

1) Le voyage, la découverte, le déplacement, quel sens donnez-vous à ces termes ?

PR : Il est vrai que depuis quelques années, j’ai été amené à me déplacer beaucoup, à vivre dans différents endroits, différents pays, à découvrir différents lieux, que ce soit pour des expositions, des séjours, des voyages d’étude ou tout simplement pour des raisons d’ordre privé. Comme vous le savez, je vis avec une femme qui est née à Bucarest, a vécu longtemps à New York et se déplace beaucoup pour son travail. Aussi bizarre que cela puisse paraître, je n’aime pas voyager, ce qui rend cette vie assez difficile. En effet, j’ai du mal à quitter un endroit pour un autre. Donc en fait, une fois les bagages posés quelque part, les choses vont mieux, jusqu’au prochain déplacement ! En fait, je crois que je pourrais vivre à peu près n’importe où, du moment que je n’ai pas à faire des aller-retour... Evidemment, je me rends bien compte que c’est par ailleurs une chance de pouvoir voyager autant. Quand je dois me déplacer, j’organise mon voyage en fonction des musées et des expositions se trouvant dans les villes que je vais traverser. Depuis quelques temps, j’ai ajouté les régions viticoles aux musées quand je peux me déplacer en voiture. J’adore m’arrêter dans un village et déguster le vin de différents vignerons provenant du même terroir. Les différences de goût et de qualité sont énormes.

2) Vous différenciez donc le voyage et le séjour ?

Tout à fait. J’aime le sentiment de m’installer dans un endroit, de rencontrer de nouvelles personnes, de vivre dans de nouveaux paysages, sous une lumière différente. Très vite, j’entrevois les avantages et les inconvénients du nouvel endroit. Aucun lieu n’est parfait et c’est très bien comme ça. Comme je vous le disais juste avant, je crois que je pourrais vivre n’importe où, du moment que je puisse travailler comme je l’entends. Il y a quelques années, quand je me rendais très souvent à New York, il me semblait important d’être là-bas, afin de voir le plus d’œuvres possibles et de me confronter à la création la plus contemporaine. Tout cela a eu des bons cotés. J’ai eu ainsi la chance de rencontrer de nombreux artistes comme Peter Soriano, Mark Schlesinger, David Reed, James Hyde, Roxy Paine, Jonathan Lasker, Robert Grosvenor et beaucoup d’autres. Certains sont devenus des amis. Maintenant, je ressens nettement moins la nécessité de rencontrer les artistes et d’exposer dans les endroits à la mode. Tout cela me paraît un peu vain. Désormais, je travaille beaucoup et j’essaie de ne faire que ce qui me tient vraiment à coeur. Je ne voudrais pas non plus donner l’impression qu’il n’y a pas d’artistes qui vivent en France, je pourrais citer des artistes comme Shirley Jaffe, Claude Viallat, Al Martin, Frédérique Lucien, Gilgian Gelzer, Béatrice Cussol, Edouard Prulhière, Christophe Cuzin, Dominique de Beir, Makhi Xénakis, Pierre Mabille ou Michel Gouéry que je considère comme des artistes importants et aussi des amis chers. Certains d’entre-eux n’ont pas encore la reconnaissance à laquelle ils pourraient prétendre.

3) Parmi ces artistes que vous citez, il y a des peintres, mais il y a aussi des sculpteurs.

Oui. Il se trouve que mon aventure de peintre m’entraîne de plus en plus sur le terrain de la sculpture ou en tous cas, de la troisième dimension. Je ne sais pas d’ailleurs si ces termes ont encore un sens aujourd’hui. Je me suis toujours senti peintre, je me suis toujours revendiqué comme un peintre, mais il me semble que ces classifications sont devenues de plus en plus obsolètes. D’ailleurs, vous me présentez comme un peintre et sculpteur ! Un musée de Saint-Louis, dans le Missouri, le Laumeier Sculpture Park , m’a invité récemment pour que je réalise une œuvre in situ. J’étais invité en tant que sculpteur. Remarquez, ils avaient invité juste avant moi Sol Lewitt. De toute façon, des artistes comme Sol Lewitt ou Richard Tuttle qui flirtent avec la troisième dimension sans complexe m’ont toujours beaucoup intéressé. Donald Judd a commencé sa carrière d’artiste en tant que peintre. Une chose que je trouve beaucoup plus étrange, c’est qu’actuellement l’œuvre d’un artiste tel que Robert Grosvenor influence d’une certaine manière ou plutôt d’une manière certaine mon travail, plus que certains peintres avec lesquels on a pu m’associer.

4) Peut-on dire que votre peinture/sculpture s’inscrit dans une démarche abstraite ?

De la même manière que je ne crois pas beaucoup dans les catégories, les classifications, je ne crois pas beaucoup dans ce genre de terme générique. Toute peinture est une représentation, ne serait-ce que d’elle-même. Pour moi, il n’y a pas de différence fondamentale entre Fouquet, Chardin, Manet, Cézanne, Matisse, Bram Van Velde, Hantai, Viallat, Jaffe ou Mitchell. Ce sont des peintres qui s’interrogent et interrogent le monde qui les entoure. Ils font tous partie d’une même famille. Je ne les vois pas comme des abstraits ou autre chose. Une chose est toutefois vraie : j’aime la peinture plus que les images. Peut-être que c’est une définition d’une certaine vision de l’abstraction. Par ailleurs, il est vrai aussi que j’aime énormément les mathématiques et les sciences de la vie. De là à être qualifié d’abstrait, j’aime trop me situer dans le réel. Je suis quelqu’un de très pragmatique. J’aime à regarder la situation telle qu’elle est et non telle que j’aimerais qu’elle soit.

5) Qu’apprend-on d’un artiste peintre enseignant en école d’art?

PR : Je ne crois pas être un grand pédagogue. Par contre, il me semble important que des artistes participant à la création de leur temps s’investissent pendant un certain temps dans l’enseignement artistique. Ainsi, j’enseigne une certaine idée de la peinture au sein de l’équipe pédagogique de l’école régionale des Beaux-arts de Rouen. J’essaie de faire partager aux étudiants mon amour des œuvres et ma passion pour la création. Je pense que les jeunes qui étudient aux Beaux-arts ont une chance inouïe. Ils sont au contact d’acteurs de la vie artistique et ont l’opportunité de choisir une autre vie que celle qui leur est présentée dans les magazines ou les programmes politiques. Contrairement à certaines idées reçues, les écoles d’art sont des lieux où l’on travaille beaucoup et où les échanges entre les étudiants et les intervenants sont des plus fructueux. Ce n’est pas le paradis pour autant...

6) La peinture fut-elle présente dès l’origine dans votre démarche d’artiste ?

PR : Ma première émotion artistique a été la suivante : J’avais peut-être 6 ou 7 ans et je me trouvais seul dans ma chambre. Mes parents avaient recouvert les murs d’un assez affreux papier peint représentant des paysages dans lesquels s’ébattaient quelques cow-boys et indiens perdus. Ce papier peint était par endroit décollé. Le désoeuvrement du jeudi aidant, j’ai eu l’idée d’arracher tout ce qui était possible. J’ai décidé ensuite de « refaire » les parties manquantes avec mes feutres, et mes gouaches. Ça m’a pris une bonne partie de l’après-midi et je n’ai jamais oublié ce que j’ai ressenti quand j’ai pensé que j’avais terminé. Je me suis reculé et cela m’a semblé beaucoup mieux. Ça n’a pas été l’avis de mes parents, ils n’ont jamais été très visuels. C’est une anecdote. J’ai toujours été fasciné par la peinture tant pour le résultat que pour le processus de création. De la même manière que l’on peignait les sculptures au Moyen-Âge et dans l’Antiquité, je ne peux imaginer une de mes structures sans peinture. D’ailleurs, quand j’y pense, je préfère le terme « structure » à celui de « sculpture ».

7) Votre travail est davantage une peinture mise en espace qu’un espace mis en peinture, quel évènement fonde ce mode d’intervention ?

Quand on me propose une exposition, j’essaie toujours de voir et revoir le lieu avant de commencer à travailler. C’est important pour moi de m’imprégner du lieu, de ses qualités (volume, lumière, histoire, etc...), mais ensuite, une grande partie du travail se fait à l’atelier. Je réalise des « pièces ». J’ai été amené à réaliser peu d’œuvre pour des lieux spécifiques. L’œuvre réalisée pour le passage à Yvetot en fait partie. Malgré tout, même celle-ci reste une peinture mise en espace. Je crois que ce que j’aime par-dessus tout, c’est la possibilité d’emporter l’œuvre ailleurs, comme un nomade démonte, puis remonte, sa tente. J’ai eu l’occasion de me rendre plusieurs fois dans le désert mauritanien. J’ai eu beaucoup de chance, car peu d’étrangers choisissent cette destination. Sur place, nous essayons de vivre comme et avec les nomades Je suis toujours fasciné de ce qui leur est vraiment nécessaire. Il n’y a pas de place pour le superflu. En quelques minutes, le campement est démonté et les gens prêts à partir. Je ne voudrais pas passer pour un ascète. Je suis quelqu’un qui adore le superflu.

8) Ainsi, vous vous définiriez finalement comme un artiste travaillant dans la solitude de son atelier...

PR : dans un sens, oui. L’atelier est pour moi le lieu de la liberté. Personne ne peut y entrer qui n’y a pas été invité. Dans mon atelier, je m’autorise absolument tout. Par contre, je n’y suis pas toujours seul, j’ai besoin d’aide pour réaliser les pièces importantes. C’est à la fois un lieu de réflexion, d’expérimentation et de réalisation, voire de production.

9) comment définiriez-vous ce que vous produisez ?

J’aime à créer des objets qui seront amenés à exister dans différents lieux. Dans ce sens, ce sont des objets mobiliers, tout comme les tableaux d’ailleurs. Je tiens à ce que l’objet/peinture/sculpture/installation/etc... modifie la perception qu’on a du lieu qui accueille l’œuvre pour un temps. Je crois en la spécificité de l’objet peinture, à son autonomie. Il m’arrive de peindre directement sur les murs mais ces interventions ont toujours pour origine quelque chose qui a été apporté, quelque chose de mobile. Je trouve que ces objets/peintures/etc… fonctionnent dans l’espace quand non seulement elles le transforment, mais aussi le parasitent.

10) Il y aurait donc une certaine lutte entre l’œuvre et l’espace qui les reçoit ?

Peut-être. Il y a aussi cette question du débordement auquel je pense constamment. Le débordement, c’est l’instant où l’œuvre prend le dessus sur l’espace. C’est une idée qui est assez nouvelle pour moi. Il y a quelques années, parlant des peintures entre elles ou en relation à l’espace, j’aurais plutôt parlé de dialogue. Maintenant je préfère l’idée de parasitage. J’aime imaginer les œuvres se déployant dans l’espace comme s’étend une épidémie. Je cherche à créer des peintures qui soient à la fois attirantes et menaçantes.

11) Vous arrive-t-il d’entretenir une relation spirituelle aux couleurs?

Non. Je crois en la matérialité de la couleur. Je peux regarder des pigments pendant des heures. Je crois aussi que chaque couleur a une vitesse particulière qui est peut-être liée à sa longueur d’onde.

12) « Yvetot donc vaut Constantinople… » que vous évoque cette citation de Flaubert ?

Comme vous le savez, cette citation est issue d’une des nombreuses lettres écrites par Flaubert à Louise Colet. Tout d’abord, il faudrait peut-être remettre ces mots dans leur contexte. Flaubert écrit : « Si le livre que j'écris avec tant de mal arrive à bien, j'aurai établi par le fait seul de son exécution ces deux vérités, qui sont pour moi des axiomes, à savoir : d'abord que la poésie est purement subjective, qu'il n'y a pas en littérature de beaux sujets d'art, et qu'Yvetot donc vaut Constantinople; et qu'en conséquence l'on peut écrire n'importe quoi aussi bien que quoi que ce soit. L'artiste doit tout élever ; il est comme une pompe, il a en lui un grand tuyau qui descend aux entrailles des choses, dans les couches profondes. Il aspire et fait jaillir au soleil en gerbes géantes ce qui était plat sous terre et ce qu'on ne voyait pas ». En fait, Flaubert, qui est en train d’écrire le chef d’œuvre qu’est « Madame Bovary » considère que plus que l’histoire et l’endroit où ça se passe, l’attitude de l’artiste face à son travail et la vision qu’il en a est mille fois plus importante. J’aime cette idée que « l'on peut écrire n'importe quoi aussi bien que quoi que ce soit ». C’est une chose que j’ai toujours défendu en peinture. Pour moi, le motif n’a pas vraiment d’importance, l’histoire, la narration encore moins. Ce sont des prétextes à peindre. Je ne tiens pas particulièrement à avoir des idées. Je me méfie des idées, surtout des bonnes. Ce n’est pas cela qui fait la différence. La bonne idée qui nous passe par la tête, passe dans la tête de dizaine de personnes au même instant. Les artistes qui privilégient les bonnes idées s’exposent à avoir des clones de leurs œuvres un peu partout en même temps. C’est assez intéressant. Ce principe ne fonctionne qu’en art. Ailleurs, c’est parfois plutôt très important d’avoir des bonnes idées, dans le champ de la recherche scientifique, par exemple. Ce qui marche dans les sciences n’a aucune validité en art, ou très peu. Quand Seurat, Géricault ou Van-Gogh meurent, personne ne les remplacera. La perte que représente leur disparition est infinie. Dit comme cela, ça paraît évident. Chaque artiste est en principe irremplaçable. Pour un chercheur, c’est différent. Si Pasteur ou Einstein n’avaient pas eu le temps de faire leurs découvertes, d’autres les auraient faites.

13) En peinture « le passage » est très souvent un mode de transition de la lumière à l’ombre, cette notion est-elle présente dans votre intervention dans le passage souterrain de l’avenue Georges Clemenceau ?

Ce passage m’intéresse beaucoup parce qu’il semble très utilisé et qu’il n’a pas de qualité propre. C’est un couloir souterrain permettant de franchir une route très passante et reliant une partie de la ville à une autre. J’aime la notion de passage, de pénétrable. C’est quelque chose que j’ai développé notamment avec la série des variables atmosphériques, peintures ambiguës qui flirtaient avec l’architecture, le mobilier, la peinture, les objets, etc…

14) La Galerie Duchamp est hébergée dans une ancienne minoterie du XIX éme siècle, cette particularité a-t-elle influencé la façon dont vous avez investi son espace ?

PR : Il se trouve que j’ai grandi à coté d’une minoterie. En fait, presque dedans. C’était une petite usine vieillotte dont mon père avait la charge sans en être le propriétaire. La plupart de mes souvenirs d’enfance sont liés à ce lieu industriel d’une autre époque. Il était évidemment interdit aux enfants de jouer dans l’enceinte de la minoterie. C’´était très tentant de venir jouer et construire des cabanes et des galeries au milieu des sacs pesant chacun entre 50 et 100 Kg dans des entrepôts poussiéreux qui sentaient des odeurs de farine, de céréales. Construire des galeries et surtout devoir échapper aux ouvriers qui avaient la consigne de nous chasser mais qui en réalité nous aimaient bien et avaient d’autres chats à fouetter. Il y avait aussi les silos à grains et les trous dans les planchers...

15) Vous évoquez les trémies par lesquelles passent l’énergie et le grain ?

Oui, comme à Yvetot. Tous les trous que nous avons réouverts par lesquels passaient les courroies et les élévateurs. Il me semblait important de retrouver une nouvelle fonction à toutes ces traces du passé. Tous ces trous offrent une quantité intéressante de potentialité.

16) D’accord, mais y-a-t’il une relation particulière entre les oeuvres exposées et l’espace de la minoterie ?

PR. Je rêve que les visiteurs de l’exposition d’Yvetot repartent en ayant non seulement vu une exposition mais aussi compris un peu mieux l’espace de la galerie et les raisons pour lesquelles ce lieu a cette configuration si particulière. Pour moi, le lieu d’exposition de la galerie Duchamp est un lieu très chargé du fait de tous mes souvenirs et aussi de la structure très particulière d’une minoterie. Ce serait peut-être un peu long à expliquer. Il existe peu de lieu en France aussi chargé que la galerie Duchamp. Je me souviens de l’exposition réalisée dans l’espace de l’H du Siège, à Valenciennes. Cette exposition avait été réalisée en collaboration avec un autre artiste, Egide Viloux, avec lequel j’ai réalisé différents projets, les pièces étant imaginées en commun. Bien sûr, il y a aussi le Creux de l’Enfer. C’est un lieu dans lequel j’aimerais aussi beaucoup intervenir. J’en ai déjà parlé à Frédéric Bouglé. Les choses qui nous tiennent à cœur mettent parfois du temps à se réaliser.

17) Chacune de vos expositions fait-elle nécessairement appel à des « affinités électives » avec son espace, comme avec les personnes qui « l’habitent » ?

PR : Nécessairement est un peu exagéré. Il y a bien sûr des exceptions. En tous cas, ce qui est sûr, c’est que le lieu, s’il a une qualité, induira forcément le travail qui sera exposé. Pour Yvetot, la plupart des œuvres exposées ont été réalisées spécifiquement pour l’exposition. Ce sont pourtant des œuvres autonomes qui seront amenées à être réexposées dans d’autres lieux. Certains lieux sont plus importants que d’autres. Il en a été ainsi de Lacoste, au Savanah College of Art and Design, en été 2005, quand j ‘ai été amené à intervenir au sein du village avec une pièce qui mesurait un kilomètre de long et proposait une visite inédite (et en principe interdite) de certaines parties du village où Sade avait été arrêté, en se basant sur un texte du mathématicien Poincaré. Certains lieux sont plus évocateurs par leurs qualités intrinsèques ou leurs possibilités. Ainsi, en principe, je devrais être amené à intervenir dans et autour du musée Matisse au Cateau-Cambrésis l’année prochaine. C’est une aventure qui m’intéresse beaucoup. Il y a une chose que j’aurais voulu ajouter. J’ai toujours des difficultés à exposer dans le sens où malgré tout je suis amené à imposer quelque chose à quelqu’un. Ce qui me plait, c’est que tout cela est finalement assez éphémère et que si cela ne plait pas, il suffit de patienter un peu, mais pas trop...

18) Quelles ruptures voyez-vous dans votre démarche entre hier, aujourd’hui et demain?

PR : C’est difficile de répondre à une telle question. J’ai toujours l’impression de faire des choses incompatibles entre elles. Quand arrive le moment de l’exposition, tout retrouve un sens, et finalement chaque pièce fonctionne comme un mot dans une phrase, à la différence que la phrase peut être réécrite à chaque nouveau point de vue, qu’elle prend à chaque fois un sens nouveau et que tous les mots sont par définition interchangeables. J’ai juste l’impression que l’âge de la maturité venant, j’entrevois plus de possibles pour mes recherches et je peux aller plus vite au but. Il y a des choses que j’aimerais approfondir. Il y a d’autres choses que j’aimerais laisser de coté. Parfois, pourtant, ce qu’on abandonne est plus important que ce que l’on croit avoir découvert. Finalement, il faut peut-être accepter de se fier à son intuition.

Une citation à laquelle vous souscrivez ?

« Rien – ou presque rien – de ce qui émerge au cours de la longue histoire du vivant n’est de nature définitive. L’évolution est une succession infinie d’accidents, construisant, déconstruisant et reconstruisant sans cesse, faisant naître la nouveauté ».
Jean Claude Ameisen La sculpture du vivant, Edition du Seuil, 2003.

Propos recueillis par David Barbage, février 2007.

Vues d'atelier, janvier 2009

2009-01-17T08:46:00.000-08:00

Prochainement

2009-01-14T12:26:00.001-08:00

Exposition "Rien à voir avec Philippe Richard" au musée Matisse

Le Cateau-Cambrésis, vernissage le 14 mars 2009

exposition à la galerie Bernard Jordan à partir d'avril 2009

OFF THE WALL

2009-01-14T10:25:00.000-08:00

Exposition "OFF THE WALL"
avec Dominique De Beir, Frédérique Lucien, Gilgian Gelzer, Pierre Mabille, Philippe Richard
à la galerie Lennon,Weinberg à New York, jusqu'au 7 février 2009.